Αμερικανός καλλιτέχνης

Fred Wessel, 1946 | Ζωγράφος Tempera αυγό

Pin
Send
Share
Send
Send




Ο Fred Wessel είναι καθηγητής της εκτύπωσης στη Σχολή Καλών Τεχνών του Hartford στο Πανεπιστήμιο του Hartford στο Κοννέκτικατ, όπου διδάσκει ζωγραφική, ζωγραφική με τέμπερα και λιθογραφία. Επίσης διοργανώνει εργαστήρια στην Ιταλία για τη ζωγραφική και τη μελέτη της Ιταλικής Αναγέννησης. Φαίνεται ιδιαίτερα για την έμπνευση της πρώιμης Αναγέννησης, λέγοντας "Το συνεχώς μεταβαλλόμενο εσωτερικό φως που ακτινοβολεί από φύλλα χρυσού που χρησιμοποιούνται με προσοχή στην επιφάνεια ενός πίνακα και η χρήση τσέπης με πλούσια, έντονα χρώματα που φωτίζουν την επιφάνεια της εικόνας με εντυπωσίασε βαθιά".


Ο Wessel κέρδισε το MFA στο Πανεπιστήμιο της Μασαχουσέτης και το BFA στο Πανεπιστήμιο Syracuse στη Νέα Υόρκη. Σπούδασε επίσης στο Κέντρο Γραφικών Pratt της Νέας Υόρκης.
Το έργο του έχει εκτεθεί σε ολόκληρη τη χώρα, πιο πρόσφατα στη γαλλική γκαλερί Sherry στη Νέα Υόρκη, στο Μουσείο Τεχνών και Επιστημών του Evansville στην Ιντιάνα, στη γκαλερί Skotia στο Νέο Μεξικό και στην Jenkins Johnson Gallery στην Καλιφόρνια. Η τέχνη του Wessel εμφανίζεται σε εθνικές και διεθνείς συλλογές, όπως αυτές του Μουσείου Σύγχρονης Τέχνης, της Νέας Υόρκης, του Μουσείου Τέχνης της Φιλαδέλφειας στην Πενσυλβανία, της Βιβλιοθήκης του Κογκρέσου στην Ουάσιγκτον και της Ακαδημίας Καλών Τεχνών του Πανεπιστημίου Tianjin στην Κίνα. Εκπροσωπείται από την Γκαλερί Αρντέν στη Μασαχουσέτη και τις Γκαλερί ACA στη Νέα Υόρκη.


Ένα ταξίδι δύο εβδομάδων που έφτασα στην Ιταλία το 1984, είχε μια βαθιά και παρατεταμένη επιρροή στο έργο μου. Εκείνη τη στιγμή ασχολούμαι με τη δημιουργία μιας σειράς εικόνων ενυδρείου. Πήγα στην Ιταλία για να δω την τέχνη της Αναγέννησης, γιατί πιστεύω ότι όλοι οι εικαστικοί καλλιτέχνες, ειδικά ρεαλιστές, θα πρέπει να βιώσουν και να μελετήσουν αυτό το έργο από πρώτο χέρι. Δεν θα μπορούσα να προβλέψω το δραματικό αντίκτυπο, τόσο άμεσο όσο και έμμεσο, που αυτό το ταξίδι της ανακάλυψης θα είχε στο επακόλουθο έργο μου. Πιστεύω ότι στην αναζήτηση της καινοτομίας στη μεταμοντέρνα τέχνη, χάνουμε συχνά την αίσθηση με ορισμένα βασικά στοιχεία: η ομορφιά, η χάρη, η αρμονία και η οπτική ποίηση σπανίως θεωρούνται σημαντικά κριτήρια για την αξιολόγηση σύγχρονων έργων τέχνης.

Από τον Bauhaus, ο όρος "πολύτιμος' είχε αρνητική συνειδητοποίηση στις σχολές τέχνης. Ήταν ένας όρος που χρησιμοποιήθηκε εσκεμμένα στη δεκαετία του 1960 για να περιγράψει δουλειά που δεν προσκολλήθηκε στα μοντέρνα τρισδιάστατα πυρήνα του εννοιολογικού ή του μινιμαλισμού.
Αλλά αφού είδε την ομορφιά, την ευαισθησία, την αρμονία,πολυτιμότητα», της ιταλικής αναγεννησιακής ζωγραφικής, ειδικά του πρώιμου αναγεννησιακού έργου καλλιτεχνών όπως οι Fra Angelico, Duccio και Simone Martini, συνειδητοποιώ ότι, ως καλλιτέχνες, ίσως έχουμε εγκαταλείψει πάρα πολύ.
Το συνεχώς μεταβαλλόμενο εσωτερικό φως που ακτινοβολεί από φύλλα χρυσού που χρησιμοποιούνται με προσοχή στην επιφάνεια μιας ζωγραφικής και η χρήση τσέπης πλούσιων και έντονων χρωμάτων που φωτίζουν την επιφάνεια της εικόνας με εντυπωσίασε βαθιά. Ήταν 'πολυτιμότητα«ανυψωμένα σε μεγάλα ύψη: οι ημιπολύτιμοι λίθοι όπως ο lapis lazuli, ο μαλαχίτης, ο αζουρίτης κτλ., ανακατεύονται, αναμιγνύονται με κρόκο αυγού και εφαρμόζονται σαν χρωστικές ύλες βαφής, δημιουργώντας εκθαμβωτικά χρώματα που κόβουν την ανάσα! Η επιφάνεια αυτών των χρωμάτων σχηματίζει μια υφή που λάμπει και αντανακλά το φως όπως και ο χρυσός, αλλά με τρόπους που είναι πολύ πιο λεπτός από τον χρυσό.
Κοιτάω την πρώιμη Αναγέννηση ως πηγή έμπνευσης που μπορώ να χρησιμοποιήσω μαζί με το σύγχρονο περιεχόμενο και την παραγωγή εικόνας. Κοιτάζω την Αναγέννηση, καθώς οι καλλιτέχνες εκείνης της εποχής κοίταζαν πίσω στην πρώιμη ελληνική και ρωμαϊκή τέχνη, όχι ως αντιδραστικό αλλά ως ανακαλύπτοντας και ξαναχρησιμοποιώντας σημαντικά, αλλά ξεχασμένα οπτικά ερεθίσματα.




















































Pin
Send
Share
Send
Send